Guiones de cine

Esta semana: ¿La película o el libro?

2020.11.12 07:56 ffuentes Esta semana: ¿La película o el libro?

Me imagino que se han dado cuenta que las diferencias entre un libro y una película varían mucho aunque la historia base sea la misma. También que generalmente las películas están basadas en libros pero... no siempre! Si bien el cine a veces es vapuleado por los guiones resultantes de los libros originarios, también es verdad que muchas películas nos motivaron a leer libros, a conocer o revisitar géneros, etc.
¿Pueden recomendar esta semana libros que estén basados en películas? Y por supuesto, películas que estén basadas en libros.
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2020.10.11 21:55 SPlasens ESCRIBIENDO un GUION DE CINE - Úrsula Vilca Del Guion Al Render Ep. 03

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2020.09.25 02:48 kidviejo Estudiar cine en CDMX

Qué tal CDMX!
Estoy terminando mi licenciatura en Cine y estoy buscando dónde hacer una maestría, diplomado o curso en guion/dirección cinematográfica en México (soy de Chile). Conozco el CCC, que tiene un curso de guion y buena reputación, pero también sé que es difícil entrar. También he escuchado de CENTRO, que tiene una maestría en guión. Alguien que tenga alguna experiencia en una escuela de cine?
Abstenerse los que dicen que el cine está muriendo, que eso siempre ha sido así y todos lo sabemos.
Saludos!
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2020.06.17 16:48 SoyElFinal [CORTOMETRAJE] ¿Cursos o tutoriales para hacer uno sin tener experiencia?

Buenos días rediturros. Hace poco tiempo que estoy acá y me parece una buena oportunidad para comentarles: En casa tenemos ganas de hacer un cortometraje, sería filmado integramente en casa y con todos los recursos propios de la situación, pero no tenemos nada de experiencia. El tema es que no quiero hacer algo así nomás sino aprovechar para aprender y hacer lo mejor posible. Me puse a buscar cursos y lo único que encontré fue esto:
https://www.crehana.com/acursos-online-produccion/guion-y-direccion-para-cine
Ni idea de Crehana, alguno compró algún curso de ahi? Están buenos?
Por otro lado, alguien que haya tenido experiencia? Cursos copados, recomendaciones? Lo que sea es bienvenido.
Gracias a todos, me divierto mas acá que en fb.
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2020.04.29 16:06 CineArgentina EL PADRE DE MIS HIJOS

EL PADRE DE MIS HIJOS
EL PADRE DE MIS HIJOS 2018

youtube user: CineArgentina

#cine #pelicula #cineargentino #movie

EL PADRE DE MIS HIJOS 2018 Dirección: Martín Desalvo Guion: Alejo Flah, Agustina Gatto Música: Jorge Chikiar Fotografía: Nicolas Trovato Reparto: Javier Drolas, Romina Ricci, Mora Recalde, Horacio Fontova, Julián Lucero, William Prociuk, Ezequiel Rodríguez Productora: Domenica Films Género: Drama Sinopsis ¿Qué pasa cuando a una mujer que se acerca a los 40 años sin haber sido madre todavía, su novio la deja? Si a Eva le preguntaran por qué no tuvieron hijos, no sabría qué responder. Primero era muy pronto, después estaban concentrados en sus trabajos, después no tenían ganas, después estaban en crisis y después ya es tarde… Lo cierto es que a sus 38 comienza a pensar en la idea de tener uno. Un hijo, sí. ¿Pero con quién? Lo que comenzará como una preocupación, se convertirá de a poco en una obsesión un tanto… ¡Intensa!
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2020.04.29 15:54 CineArgentina RECTA FINAL

RECTA FINAL
RECTA FINAL 2010

CineArgentina
Dirección: Tomás Lipgot Guion: Tomás Lipgot Música: Luciano Nieto Reparto: Documentary, Ricardo Becher, Paulo Pécora, Fernando Martín Peña, José Campitelli, Luis Chitarroni, Javier Martínez, Félix Chango Monti Productora: INCAA / Duermevela / CEPA Género: Documental Documental sobre cine Sinopsis Lipgot retrata el presente del cineasta, al mismo tiempo que repasa su historia, desde sus primeros cortos y la colaboración con Torre Nilsson, pasando por la fundamental Tiro de gracia (1969) -película que desafió a su época y fue censurada-, llegando hasta el nuevo movimiento que Becher fundó con sus alumnos: el neoexpresionismo digital
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2020.04.01 22:20 CinemaPater1 Comienza la fiesta!

Los Padres del Cine se creó para hablar de lo que nos apasiona: el cine y todo lo relacionado a él. Sin guiones ni restricciones, los episodios fluyen naturalmente de nuestros corazones a sus oídos. Como ya hacíamos todo esto, decidimos compartirlo porque, como dijo un sabio, "si eres bueno en algo nunca lo hagas gratis".
Nuestra primera temporada consta de cinco episodios y está disponible en todos lados. Este subreddit es para continuar las discusiones de los capítulos, proponer nuevos temas y celebrar al cine como lo mejor que hay, porque lo es.
Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCyVJjPxhZlqD0_7NXywi9
Spotify: https://open.spotify.com/show/2dZLyVhWhSz6PsjgzQzbBW
Apple Podcasts: https://podcasts.apple.com/…/los-padres-del-ci…/id1505128536
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2020.03.14 00:12 AyatollahFromCauca ¿Está muerto el cine argentino?

Teniendo en cuenta que hace rato ninguna película local ha ganado nada importante, ni figurado internacionalmente( la única que tuvo medio revuelo fue relatos salvajes), que la producción se ha reducido en casi un 90% y que prácticamente ninguna de las películas estrenadas ha logrado recuperar su costo ¿Creen qué este sea el final del cine nacional? ¿ Ustedes ven cine local? ¿Les gusta? Solía trabajar como redactor y cada tanto recibía guiones y ahora no me mandan ninguno, por lo que desde mi punto esto va mal. No sé, me gustaría escuchar sus opiniones con respecto a este tema.
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2020.03.10 05:17 FanFan13 ¿Qué es una fotonovela?

¿Fotonovela eso no es comic con fotos?
Podemos contar una historia de diferentes maneras: con textos solamente literarios (es el caso de las novelas, los cuentos, las fábulas); mezclando imágenes en movimiento y sonidos (por poner un ejemplo, las películas); a través de la suma de dibujos y pequeños diálogos (el cómic). Puesto que bien, la fotonovela aporta un formato original consistente en la unión de imágenes y textos relacionados con cada una de ellas, así sean pies de fotografía, \'bocadillos\' o carteles explicativos.
Ambos son 2 géneros audiovisuales que tienen muchos elementos compartidos, incluso hay casos en los que se da un paso mas y unen los comics porno y las fotonovelas y hacen auténticos storyboards de contenido erótico.
• Narración de historias por medio de la sucesión de imágenes fijas:
− viñetas en el cómic
− fotogramas en la fotonovela
• Combinación de imagen y texto, o sea, 2 géneros de lenguajes: el verbal y el visual.
• Dirigidos únicamente al sentido de la vista, el sonido se reemplaza por códigos visuales concretos como son las onomatopeyas en el cómic.
La historia de las dos técnicas es muy, muy diferente.
• El cómic, tebeo o bien historieta nace al tiempo que el cine (finales siglo XIX) y evoluciona desarrollando un lenguaje propio de códigos y recursos expresivos que le permiten superar sus restricciones técnicas.
• La fotonovela es siguiente al cine y no evoluciona, quedándose atascada en sus planteamientos iniciales poco imaginativos, tanto en el tratamiento de las historias como en su utilización de recursos expresivos.
Las peculiaridades más esenciales de este género narrativo son:
• El fotograma (la imagen)como unidad básica.
• El tamaño y formato son elementos visuales esenciales empleados para romper la monotonía en la composición de la página.
• El mensaje verbalse efectúa en forma de textos que pueden aparecer de 2 maneras:
carteles y bocadillos o bien globos.
• El texto conserva en la imagen secuenciada exactamente el mismo género de relación que tenía en la
imagen fija y aislada: sirve para enlazar la historia y, de esa forma, orientar al lector.

Es esencial proseguir estos consejos, mas no solo en la preparación de una fotonovela, sino también para la realización de un pequeño vídeo o bien grabación.
No se puede iniciar un proyecto sin ya antes haber efectuado cada uno de ellos de estos pasos, porque el resultado no va a ser bueno.
Veamos cuáles son:
A. La idea o bien tema. Ha de ser sencillamente visualizable. .
B. El razonamiento o bien sinopsis: resume los aspectos esenciales de la historia (ubicación, personajes, acción y resultado).
C. Guion literario: se cuenta la historia de forma completa teniendo : en cuenta las posibilidades visuales del relato.
D. Guion técnico: se organiza por imagen o bien fotograma detallando : los aspectos de la imagen y del texto en cada uno de ellos de ellos.
E. Es esencial distinguir entre guion literario y guion técnico. El guion técnico traduce el guion literario al lenguaje visual de la fotonovela, cómic, etc..
• Pactar un tema específico en torno al que virará todo el guión;
• Decidir el planteamiento, el nudo y el resultado temporales de la historia (es preferible que trabajemos con una historia creada por los propios pupilos, para fomentar de este modo su inventiva y conseguir una mayor identificación con la actividad –de todas formas, asimismo podemos recurrir catálogos de razonamientos ya presentes en la Red o bien en las bibliotecas- );
• Seleccionar el número de personajes, los escenarios, el vestuario y la evolución temporal;
• Inventar un título atrayente para el proyecto;
• Redactar el desarrollo de la idea original en forma de relato (mínimo de trescientos palabras: se reparte entre los miembros cada una de las 3 partes, esto es, el planteamiento, el nudo y el resultado);
• Corregir los aspectos errados y discutir sobre la mejor manera de poner en imágenes el resultado (no olvidar la demanda de reflejar los instantes de transición -por servirnos de un ejemplo, fotografiar la entrada de los personajes en la escena, su salida, etc.-).
• Iniciar el dibujo de cada escena, de manera que los autores puedan imaginar los encuadres y contenidos de las futuras fotografías;
• Escribir los pies de fotografía desde el relato ya elaborado;
• Iniciar el trabajo de fotografía en los decorados y escenarios elegidos;
• Meditar en la presentación final del proyecto: colores de las cartulinas, portada, tipos de letra, predisposición de los bocadillos, recortes de la fotografías, etcétera;
• Componer la fotonovela con los materiales acumulados: fotografías, textos y cartulinas.
• Presentarla en clase frente a los compañeros, repartir copias y explicar el proceso;
• Puesta en común de los resultados y de la experiencia.
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2020.03.06 22:02 CineArgentina MIRLOS DE ARKANSAS

MIRLOS DE ARKANSAS 2015

Cine Argentino
Dirección: Pablo Vergara • Guion: Pablo Vergara Música: Jonatan Cretari • Fotografía: Cesar Aparicio Reparto: Adrián Azaceta, Lucía Pihen, Carolina Ramírez, Eduardo Rivetto, Samuel Silva, Rocío Sosa, Ignacio Tamagno Género: Terror Sinopsis Una falla mecánica deja a cuatro adolescentes varados en la oscuridad de una carretera desierta. Aún perturbados por un incidente reciente que involucra a la supuesta bruja del pueblo, los adolescentes enfrentarán las amenazas reales e imaginarias que comienzan a surgir. La repentina provisión de una de las chicas y las apariciones inesperadas de una serie de extraños personajes locales aumentan la tensión de una noche crucial en la vida de los viajeros.
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2020.03.06 21:36 CineArgentina UN CUENTO LATINOAMERICANO

UN CUENTO LATINOAMERICANO 2015

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Dirección: Juan Manuel Rampoldi Guion: Juan Manuel Rampoldi Música: Rodrigo Foca Zangaro, Joaquín Rosson Fotografía: Gustavo Erramouspe Reparto: Ivania Cox, Lizzania Sanchez, Priscila Velasques, Paloma Santaella, Victoria Hoyos, Joaquin Mendez, Xexar Tena, Rodrigo Aragón Productora: El Horror Cine / Sociedad Secreta Género: Terror Fantasmas Sinopsis En los años 40, durante el gobierno del General Perón, se llevó a cabo un extraño experimento cuyo fin era crear una nueva sociedad ideal latinoamericana. Pero aquel experimento terminó abruptamente y todas las personas involucradas fueron exterminadas. Las primeras en ser quemadas en la hoguera fueron las prostitutas que el General había implantado para mantener a los hombres animados y a la nueva sociedad en perfecto equilibrio. Según dicen, aún se escuchan los lamentos de aquellas mujeres vagando por el bosque que rodea el pueblo arrasado. Seres olvidados que no pueden descansar en paz.
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2020.02.25 10:23 sedgewg VER~»HD. — Sonic, la película [2020] PELÍCULA COMPLETA GRATIS ONLINE EN ESPAÑOL LATINO

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Sonic, la película
Título original Sonic the Hedgehog aka Año 2020 Duración 99 min. País Estados
Unidos Estados Unidos Dirección Jeff Fowler Guion Patrick Casey, Josh Miller,
Oren Uziel (Personajes: Yuji Naka, Naoto Ohshima, Hirokazu Yasuhara. Historia:
Van Robichaux, Evan Susser. Videojuego: SEGA) Música Junkie XL Fotografía
Stephen F. Windon Reparto Ben Schwartz, James Marsden, Jim Carrey, Neal
McDonough, Tika Sumpter, Adam Pally, Leanne Lapp, Shannon Chan-Kent, Debs
Howard, Bailey Skodje, Frank C. Turner, Dean Petriw, Natasha Rothwell, Elfina
Luk, Emma Oliver, Breanna Watkins, Lee Majdoub, John Specogna, Nicholas Dohy,
Lisa Chandler, Melody Nosipho Niemann, Jeanie Cloutier, Jeff Sanca, Michael
Hogan Productora Coproducción Estados Unidos-Canadá-Japón; Paramount Pictures
/ Marza Animation Planet / Original Film / Blur Studio / DJ2 Entertainment /
Paramount Animation. Distribuida por Paramount Pictures Género Comedia.
Aventuras. Fantástico Videojuego. Amistad. Cine familiar Grupos Sonic el
erizo SEGA Sinopsis Sonic, el descarado erizo azul basado en la famosa serie
de videojuegos de Sega, vivirá aventuras y desventuras cuando conoce a su
amigo humano y policía, Tom Wachowski (James Marsden). Sonic y Tom unirán sus
fuerzas para tratar de detener los planes del malvado Dr. Robotnik (Jim
Carrey), que intenta atrapar a Sonic con el fin de emplear sus inmensos
poderes para dominar el mundo.





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2020.01.27 21:41 nathaliepinotti Mártires 2008

Mártires 2008
Mártires es una película de terror escrita y dirigida por Pascal Laugier. Fue proyectada por primera vez durante el Festival de Cine de Cannes en 2008. La película fue estrenada en Francia el 3 de septiembre de 2008. Wikipedia)Fecha de estreno: 3 de septiembre de 2008 (Francia)Director: Pascal LaugierGuion: Pascal LaugierRecaudación: 1.1 millones USDCanción destacada: Your witness

https://darkangelsmovies.blogspot.com/2020/01/martires-2008_27.html
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2020.01.20 04:39 Adolf_Weebler RANDOM WIKIPEDIAS

Agua para elefantes (película)

Ir a la navegación#mw-head)Ir a la búsqueda#p-search)Water for ElephantsTítuloAgua para elefantesFicha técnicaDirección
Ayudante de direcciónDennis BurrellGreg HaleDouglas PlasseLars P. WintherDirección artísticaDavid CrankProducciónGil NetterErwin StoffAndrew R. TennenbaumDiseño de producciónJack FiskGuionRichard LaGraveneseBasada enWater for Elephants de Sara GruenMúsicaJames Newton HowardSonidoJosé Antonio GarcíaFotografíaRodrigo PrietoMontajeAlan Edward BellEscenografíaJim EricksonVestuarioJacqueline WestEfectos especialesSteve AustinChad HolmesJoe KleinWes MattoxJoe D. RamseyKen RudellSteve SosnerProtagonistasRobert PattinsonReese WitherspoonChristoph WaltzHal HolbrookRichard BrakeKen ForeeVer todos los créditos (IMDb)Datos y cifrasPaísEstados UnidosAño2011Estreno22 de abril de 2011GéneroDrama románticoDuración121 minutosIdioma(s)
CompañíasProductoraFox 2000 Pictures3 Arts EntertainmentFlashpoint EntertainmentDistribución20th Century FoxPresupuesto$38 millonesRecaudación117 086 251 dólares estadounidensesFicha en IMDbFicha en FilmAffinity[editar datos en Wikidata]
Water for Elephants, titulada como Agua para elefantes en países hispanohablantes, es una película de Francis Lawrence basada en el aclamado superventas del mismo nombre, escrito por la canadiense Sara Gruen. Fue estrenada en Estados Unidos el 22 de abril de 2011.

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2019.08.29 21:54 Pepe-Argento [Mega Thread] Origen de palabras y frases argentinas

Estimados rediturros, en base al post del usuario que hoy descubrió la etimología de Michi (gato), vengo a hacerles entrega del thread que se merecen aquellas personas curiosas.
Seguramente faltan varias palabras pero dejo las que fui recolectando. ----
A CADA CHANCHO LE TOCA SU SAN MARTÍN.
Alude al 11 de noviembre, día de San Martín de Tours, patrono de Buenos Aires, que se celebra comiendo lechón. Significa que a todos les llega en algún momento la compensación por sus buenos o malos actos.
A SEGURO SE LO LLEVARON PRESO.
Viene de Jaén, España, donde los delincuentes eran recluídos en el Castillo de Segura de la Sierra. Originalmente se decía `a (la prisión de) Segura se lo llevaron preso`, que advertía de no robar, para no terminar en Segura. Hoy significa que nadie está libre de alguna contingencia.
AL TUN TÚN.
Con la expresión `al tun tún`, los paremiólogos no se ponen de acuerdo: para unos deviene de `ad vultum tuum`, que en latín vulgar significa `al bulto`, y para otros, es una voz creada para sugerir una acción ejecutada de golpe. De cualquier forma, hoy `al tun tun` indica algo hecho sin análisis ni discriminación.
ANANÁ.
Es una fruta nativa de América del Sur, deliciosa, decorativa y habitualmente asociada con los climas tropicales. El vocablo ananá proviene de nana, que en guaraní significa perfumado. Y fueron los colonizadores portugueses quienes adaptaron esta voz original guaraní para acercarla al modo en que hoy la usamos en la Argentina. Otra de sus nominaciones, piña, se debe a Cristóbal Colón, quien al verla por primera vez (en 1493, en la isla de Guadalupe) pensó erróneamente que había encontrado un tipo de piñón de pino.
ATORRANTES.
Lo de `atorrantes` viene de principios del siglo pasado, cuando colocaron unos grandes caños de desagüe en la costanera, frente a la actual Casa de Gobierno, en lo que hoy es Puerto Madero. Éstos tenían la leyenda `A. Torrant et Cie.` (nombre del fabricante francés) bien grande a lo largo de cada segmento de caño, y estuvieron casi más de un año hasta que, por fin, los enterraron. Mientras tanto `se fueron a vivir a los caños` cuanto vago, linyera y sujetos de avería rondaban por la zona y así surgió este dicho. Cuando la gente se refería a las personas que vivían en esos caños, los llamaban "A-Torran-tes". Más adelante se llamó así a toda persona vaga o de mal comportamiento.
BACÁN.
Aunque casi ya no se emplea, podemos escuchar esta palabra en muchísimos tangos de comienzos del siglo XX. “Mina que de puro esquillo con otro bacán se fue”, dice la letra de Ivette, compuesta por Pascual Contursi. “Hoy sos toda una bacana, la vida te ríe y canta”, reza Mano a mano, el clásico de Celedonio Flores. Del genovés baccan (jefe de familia o patrón), el término alude a una persona adinerada, elegante, amante del buen vivir y acompañó un fenómeno social: el surgimiento de la clase media y la figura del hombre capaz de darse ciertos lujos y exhibirlos.
BANCAR.
Con frases como “Yo te banco” o “No te banco más”, bancar es uno de los verbos que más usamos los argentinos para expresar si aguantamos, toleramos o apoyamos a algo o alguien. El origen del término es bastante discutido. Algunas opiniones señalan que alude al banco en el que nos sentamos, en el sentido de que este soporta nuestro cuerpo. Sin embargo, otros argumentan que se trata de una expresión popularizada gracias a los juegos de azar. Es que “bancame” era la súplica que hacían los apostadores a los responsables de la banca en los casinos.
BARDO.
Esta voz comenzó a utilizarse en la década del 80 y se propagó rápidamente, incluso con su verbo derivado: bardear. Se aplica para indicar la ocurrencia de problemas, líos, desorden o embrollos. Para algunos es una especie de “lunfardo del lunfardo” porque se trata de una simplificación del término balurdo, otra locución coloquial que tomamos del italiano (balordo: necio o tonto). Así que están avisados: la próxima vez que digan que algo “es un bardo”, sepan que del otro lado del océano pueden interpretar que se refieren simplemente a una tontería.
BERRETÍN.
Una obsesión, un capricho, una esperanza acariciada sin fundamento racional… eso es un berretín. De origen genovés, donde beretín alude a una especie de gorro o sombrero, la creatividad popular nombró así a los deseos intensos que llevamos en la cabeza. El tango supo recoger esta palabra. Por ejemplo, Niño bien arranca: “Niño bien, pretencioso y engrupido, que tenés el berretín de figurar”. Esta voz, hoy casi en desuso, también llegó al cine. En 1933 se rodó Los tres berretines, la segunda película argentina de cine sonoro que narraba tres pasiones porteñas: fútbol, tango y cine.
BOLÓ.
Sin lugar a dudas, boludo es una de las palabras que identifican a los argentinos y que más transformó su sentido a lo largo de las últimas décadas. De ser agresiva e insultante, se convirtió en una expresión inocente y típica empleada para llamar la atención del otro. En la provincia de Córdoba evolucionó de tal modo que terminó teniendo una sonoridad totalmente diferente: boló. Y la frase “¿Qué hacé’ boló?” podría ser perfectamente el saludo entre dos cordobeses que se tienen la más alta estima.
BOLUDO [Mención especial].
Convertida en un verdadero clásico argentino, boludo (y sus derivados, boludez, boludeo, boludear) fue mutando su significado a través del tiempo.
En el siglo XIX, los gauchos peleaban contra un ejército de lo que en aquella época era una nación desarrolla como la española.
Luchaban contra hombres disciplinados en las mejores academias militares provistos de armas de fuego, artillería, corazas, caballería y el mejor acero toledano, mientras que los criollos (montoneros), de calzoncillo cribado y botas de potro con los dedos al aire, sólo tenían para oponerles pelotas, piedras grandes con un surco por donde ataban un tiento, bolas (las boleadoras) y facones, que algunos amarraban a una caña tacuara y hacían una lanza precaria. Pocos tenían armas de fuego: algún trabuco naranjero o arma larga desactualizada.
Entonces, ¿cuál era la técnica para oponerse a semejante maquinaria bélica como la que traían los realistas? Los gauchos se formaban en tres filas: la primera era la de los "pelotudos", que portaban las pelotas de piedras grandes amarradas con un tiento. La segunda era la de los "lanceros", con facón y tacuara, y, la tercera, la integraban los "boludos" con sus boleadoras o bolas. Cuando los españoles cargaban con su caballería, los pelotudos, haciendo gala de una admirable valentía, los esperaban a pie firme y les pegaban a los caballos en el pecho. De esta forma, rodaban y desmontaban al jinete y provocaban la caída de los que venían atrás. Los lanceros aprovechaban esta circunstancia y pinchaban a los caídos.
En 1890, un diputado de la Nación aludió a lo que hoy llamaríamos "perejiles", diciendo que "no había que ser pelotudo", en referencia a que no había que ir al frente y hacerse matar. En la actualidad, resemantizada, funciona como muletilla e implica un tono amistoso, de confianza. El alcance del término es tan grande que, en el VI Congreso de la Lengua Española, realizado en 2013, el escritor argentino Juan Gelman la eligió como la palabra que mejor nos representa.
BONDI.
A fines del siglo XIX, los pasajes de tranvía en Brasil llevaban escrita la palabra bond (bono en inglés). Por eso, las clases populares comenzaron a referirse al tranvía como bonde (en portugués la “e” suena como nuestra “i”). A partir de entonces, el recorrido del vocablo fue directo: la trajeron los italianos que llegaban desde Brasil y, cuando el tranvía dejó de funcionar en Buenos Aires, se convirtió en sinónimo popular de colectivo.
CAMBALACHE.
Es el título del emblemático tango escrito por Enrique Santos Discépolo en 1935. Pero, ¿sabés qué significa exactamente esta palabra? Originalmente deriva del verbo cambiar y en nuestro país se utilizó para nombrar a las antiguas tiendas de compraventa de objetos usados. Este es el sentido que se le da en el tango cuando dice: “Igual que en la vidriera irrespetuosa de los cambalaches se ha mezclao la vida, y herida por un sable sin remache, vi llorar la Biblia junto al calefón”. Por eso, el significado se transformó en sinónimo de desorden o mezcla confusa de objetos.
CANA.
Existen diferentes versiones para explicar cómo surgió este vocablo que en lunfardo significa unívocamente policía. Una dice que proviene de la abreviatura de canario, que se empleaba en España para designar a los delatores. Aunque la historia más extendida lo ubica en el idioma francés, del término canne, y alude al bastón que portaban los agentes del orden. Como sea, cana pasó a nombrar a la policía y, más tarde, se empleó como sinónimo de cárcel (“ir en cana”). Hoy también se utiliza la expresión “mandar en cana” para decir, con picardía, que dejamos a alguien en evidencia.
CANCHA.
Apasionados por el deporte, los argentinos repetimos frases que ya forman parte de nuestra genética. “El domingo vamos a la cancha” es una de ellas. Como es sabido, cancha es el espacio que se destina a eventos deportivos y, en ocasiones, a algunos espectáculos artísticos. Pero lo que pocos conocen es que esta palabra proviene del quechua, lengua originaria en la que kancha significa lugar plano. La acepción que en la actualidad le damos a esta expresión llegó con la práctica de la lidia de toros y pronto se expandió a todos los deportes.
CANILLITA.
El origen de esta palabra es literalmente literario. La voz se toma de Canillita, una pieza teatral escrita por Florencio Sánchez en los primeros años del siglo XX. El protagonista es un muchacho de 15 años que trabaja en la calle vendiendo periódicos para mantener a su familia. Como sus piernas son muy flaquitas y lleva unos pantalones que le quedaron cortos por los que asoman sus canillas, lo llaman Canillita. Desde 1947, el 7 de noviembre se celebra el Día del Canillita en homenaje a la muerte del gran escritor uruguayo, autor de otra obra emblemática M’hijo el dotor.
CATRASCA.
Puede que, a menudo, muchos de los que utilizan esta palabra para referirse socarronamente a las personas torpes o propensas a los pequeños accidentes no tengan cabal idea de su significado literal. Sucede que esta expresión se establece como síntesis de la frase “Cagada tras cagada”. En la Argentina, se hizo popular en 1977 a partir de la película El gordo catástrofe, protagonizada por Jorge Porcel, quien personificaba un hombre que vivía de accidente en accidente y al que todos llamaban Catrasca.
CHABÓN.
Desde el tango El firulete, de Rodolfo Taboada, que dice “Vos dejá nomás que algún chabón chamuye al cuete y sacudile tu firulete…”, hasta After chabón, el último disco de la banda de rock Sumo, esta voz del lunfardo se instaló en la cultura argentina como sinónimo de muchacho, tipo o pibe. El término deriva de chavó (del idioma caló, usado por el pueblo gitano), que significa joven, muchachuelo. De allí provienen, también, algunas variantes como chavo y chaval, empleadas en diferentes países de habla hispana.
CHAMAMÉ.
La palabra chamamé proviene del guaraní chaá-maì-mé (“estoy bajo la lluvia” o “bajo la sombra estoy”). Según Antonio Sepp, musicólogo jesuita, los nativos se reunían bajo un enorme árbol y, en forma de ronda, hablaban y cantaban ordenadamente a lo largo de la noche; respetaban así la sabiduría de los años, sin negarles un lugar a los más jóvenes. Muchas veces terminaban danzando y desplazándose como en un rito de adoración o gratitud. Es en esos espacios de encuentro donde se cree que nació el chamamé, esa marca de identidad musical de la Mesopotamia.
CHAMIGO.
La oralidad reunió che y amigo en un solo término para dar origen a una tercera palabra: chamigo. En este caso, el vocablo che proviene del guaraní, y no del mapuche ni del valenciano, donde tiene otros significados. En guaraní, che es el pronombre posesivo mi, y por eso chamigo quiere decir mi amigo o amigo mío. Esta voz se emplea en Chaco, Corrientes, Misiones y Entre Ríos, provincias donde la cultura guaranítica tiene mayor peso. “El chamigo es algo más que lo común de un amigo, es esa mano que estrecha con impulso repentino”, canta el chamamecero Antonio Tarragó Ros.
CHANGO.
En el noroeste se usa la palabra chango, o su diminutivo changuito, como sinónimo de niño o muchacho. El término deriva de una voz quechua que significa pequeño. Una zamba dice “Cántale, chango, a mi tierra, con todita tu alma, con toda tu voz, con tu tonadita bien catamarqueña; cántale, changuito, lo mismo que yo”. Nieto, Farías Gómez y Spasiuk son solo tres de los Changos que ha dado el folklore argentino y que llevan este vocablo como apodo, indisolublemente unido a su apellido.
CHANTA.
Se trata de la abreviatura de la voz genovesa ciantapuffi, que significa planta clavos; es decir, persona que no paga sus deudas o que no hace bien su trabajo. Pero en nuestro país, cuando le decimos chanta a alguien, nos referimos a que no es confiable o creíble, que es irresponsable o no se compromete. Aunque también se asocia a la picardía si se emplea para nombrar a aquel que finge y presume cualidades positivas. En otras palabras, un chanta sería un charlatán, un chamuyero. En cambio, “tirarse a chanta” es abandonar las obligaciones o, como se dice en la actualidad, “hacer la plancha”.
CHAUCHA Y PALITO.
Se estima que esta frase nació en nuestro campo y se la usa para referirse a algo de poco beneficio económico o ínfimo valor. El palito alude al de la yerba que flota en el mate mal cebado: aquello que no sirve, que está pero molesta. En el caso de chaucha refuerza el sentido: para el gaucho, básicamente carnívoro, la chaucha era un vegetal sin importancia, barato, del que prefería prescindir. Además, en tiempos de la colonia, chaucha se denominaba una moneda de poco valor. Como decir “poco y nada”, pero referido unívocamente al valor monetario.
CHE.
Es una de las palabras que más nos identifica en el mundo. Casi como una seña personal. La usamos para llamar la atención del otro, para quejarnos o simplemente como interjección. La historia más difundida sostiene que es una voz mapuche que significa gente. Sin embargo, otra teoría señala que proviene de Valencia (España), donde le dan usos similares a los nuestros. Ernesto Guevara, ya que de Che hablamos, debe su apodo a la recurrencia con que empleaba la muletilla en su discurso coloquial.
CHORIPÁN.
A mediados del siglo XIX, los gauchos que habitaban las zonas rurales del Río de la Plata dieron origen a una de las minutas que más caracteriza los domingos de los argentinos: el choripán. El término, que es un acrónimo de chorizo y pan, nació en los tradicionales asados gauchescos cuando comer una achura entre dos trozos de pan empezó a ser costumbre. Hoy, a esta denominación que ya es un símbolo identitario de nuestro vocabulario, se le acoplaron dos sándwiches más: vaciopán y morcipán.
COLIFA.
Colifa es un término muy popular que empleamos para expresar, con cierta ternura, que alguien está loco, piantado o rayado. Aunque el sentido común nos lleva a pensar que proviene del término colifato, los estudiosos explican que coli deriva del vocablo italiano coló (que significa, justamente, chiflado). A su vez, colo es loco al vesre ()al revés en lunfardo). Entonces, colifato, y su apócope colifa, aparecen como transformaciones de ese término original que en el habla de la calle sumó sílabas con fines únicamente creativos.
CROTO.
La expresión `Croto` se remonta a la década del `20, cuando el entonces Ministro de Obras Públicas y Transporte, Crotto, implementó una especie de certificado de pobreza y cuyo portador podía viajar gratis en los tranvías y trenes. Hoy en día se denomina con este nombre a toda persona mal vestida que con su apariencia denota su estado de indigencia.
CUARTETO.
En cualquier lugar del mundo se denomina cuarteto a un conjunto de cuatro integrantes, pero para los argentinos se trata, además, de un género musical con influencias de la tarantela y el pasodoble. Este ritmo tropical, que comenzó a bailarse en las zonas rurales de la provincia de Córdoba durante la década del 40 y se popularizó en todo el país en los 90, es una creación cien por ciento argentina. Sus dos exponentes más emblemáticos, Carlos “La Mona” Jiménez y Rodrigo Bueno, convirtieron a este género en una alegre y festiva marca de identidad.
DEL AÑO DEL ÑAUPA.
Se trata de una expresión muy antigua y, decirlo así, puede parecer redundante. Porque ñaupa es una voz quechua que significa viejo o antiguo. En general, se emplea para aludir a un acontecimiento que data de tiempo atrás. La creencia popular considera que Ñaupa fue una persona que tuvo una existencia asombrosamente prolongada. Muy utilizado en la década del 30, suele asociarse al lunfardo, en especial cuando se dice que un tango es “del año del ñaupa”. Su equivalente en España es “del tiempo de Maricastaña”. La versión moderna sería "del año del orto"
DESPIPLUME.
Muchas veces, los medios de comunicación masiva logran instalar expresiones en el habla cotidiana gracias a memorables personajes de ficción y, también, a los guiones de algunas publicidades. Es el caso de despiplume, una voz que nació en la década del 70 en un spot de la famosa marca de coñac Tres plumas protagonizado por Susana Giménez. A través de un juego de palabras, la idea fue asociar el término despiole al producto. Sin dudas, lo lograron, pues si bien hoy la expresión casi no se usa, cualquiera sabe qué queremos decir cuando afirmamos que “esto es un despiplume”.
DULCE DE LECHE.
“Más argentino que el dulce de leche”, dice la expresión popular. Sin embargo, son varios los países que se atribuyen su creación. Nuestra versión cuenta que esta delicia nacional nace de una casualidad. En 1829, Juan Manuel de Rosas esperaba a Juan Lavalle, su enemigo político, en una estancia. La criada hervía leche con azúcar para cebar el mate y olvidó la preparación por largo tiempo en el fuego. Aún así, Rosas quiso probar la sustancia espesa y amarronada que se había formado en la olla. Para sorpresa de la criada, le encantó y decidió bautizarla dulce criollo.
EN PAMPA Y LA VÍA.
Quedarse sin un peso, agotar los recursos, tener que vender la casa… Cualquiera de estas circunstancias puede expresarse con el mismo dicho: “Me quedé en Pampa y la vía”. ¿Alguna vez escuchaste de dónde viene este dicho? Tiene una ubicación geográfica muy precisa porque la calle La Pampa se cruza con la vía del tren muy cerca del hipódromo de Buenos Aires. Cuenta la leyenda que los jugadores que apostaban a los caballos, cuando tenían un día de mala racha y lo perdían todo, se iban del barrio en un ómnibus que salía del cruce de Pampa y la vía.
FIACA.
La historia de esta palabra –que todos asociamos a la pereza y desgano– se origina en el habla de los almaceneros de barrio procedentes de Italia. En genovés, fiacún alude al cansancio provocado por la falta de alimentación adecuada. Y fueron estos comerciantes quienes diseminaron el término que, con el uso coloquial, se transformó en fiaca. Como habrá sido que se instaló, que una de las famosas Aguafuertes porteñas de Roberto Arlt se refiere al tema: “No hay porteño, desde la Boca a Núñez, y desde Núñez a Corrales, que no haya dicho alguna vez: ‘Hoy estoy con fiaca”.
GAMBETA.
Proviene de gamba, que en italiano significa pierna, y es un término que usamos en diferentes contextos. Por ejemplo, “hacer la gamba” es ayudar a otra persona. Claro que, si las cosas no salen bien, decimos que lo que hicimos fue “meter la gamba”. Puntualmente, gambeta refiere a un movimiento de danza que consiste en cruzar las piernas en el aire. Pero en el Río de la Plata funciona como metáfora de otro arte, el fútbol: porque en el campo de juego, gambeta es el movimiento que hace el jugador para evitar que el contrario le arrebate la pelota. Por eso, en el uso cotidiano, cuando sorteamos obstáculos decimos que gambeteamos.
GAUCHADA.
En nuestro lenguaje cotidiano, hacer una gauchada es ayudar a alguien sin esperar nada a cambio. La gauchada era una actitud típica de los gauchos, un gesto completo de solidaridad. Es que estos hombres cumplieron un rol clave en la guerra de la Independencia por su valentía, habilidad para cabalgar y gran conocimiento del territorio. Por el contrario, hacer una guachada es cometer una traición, aunque detrás de esta expresión haya un sentido más trágico que desleal. Y es que guacho refiere a la cría animal que perdió a su madre, y por extensión, a los niños huérfanos.
GIL.
A la hora de dirigirse a alguien en forma peyorativa, gil es una de las expresiones preferidas por los argentinos. Asociada a la ingenuidad o a la falta de experiencia, algunos sostienen que proviene de perejil, otra voz coloquial que en una de sus acepciones puede emplearse con un significado parecido, puesto que hasta hace unos años era una hortaliza tan barata que los verduleros directamente la regalaban. Sin embargo, gil proviene del caló, una antigua lengua gitana en la que gilí quiere decir inexperto.
GUACHO.
En el campo se denomina como guacho al ternero que queda huérfano.
GUARANGO.
Es lamentable, pero algunas palabras que usamos cotidianamente provienen de situaciones históricas de discriminación y exclusión. Es el caso de guarango, que si bien en la actualidad se emplea como sinónimo de grosero, maleducado o malhablado, fue instalada por los españoles de la conquista como referencia despectiva y racista hacia los nativos que hablaban en guaraní. Decirle guarango a la persona que emplea un vocabulario soez es ofensivo pero no por la adjetivación que pretende, sino porque su origen alude a una descalificación arbitraria.
GUASO.
La frecuencia con que se emplea el término guaso en Córdoba lo convierte en un cordobesismo. Pero ser guaso en esta provincia tiene por lo menos dos niveles. Cuando alude a un hombre: “El guaso estaba tomando algo en el bar”, la palabra solo sirve para definirlo como individuo masculino (en este caso, guaso funciona como sinónimo de tipo, chabón, etc.). Pero también se emplea para hacer referencia a alguien grosero o de poca educación: “No seai guaso vo’”. Y es tal la dinámica del vocablo que permite hiperbolizarlo, de manera que algo guaso pueda crecer hasta ser guasaso.
GUITA.
En lunfardo, el dinero tiene infinidad de sinónimos: mango, viyuya, morlaco, vento, mosca, tarasca. También existe un lenguaje propio para hablar de su valor: luca es mil, gamba es cien y palo es millón. Sin embargo, el origen del término guita es difícil de rastrear. Una de las versiones más difundidas sostiene que proviene del alemán, específicamente del germano antiguo, de la voz witta, usada para denominar algo fundamental sin lo cual no se puede vivir. A su vez, witta también proviene del latín vita que significa vida.
GURÍ.
¿Alguna vez te dijeron gurí o gurisa? Seguramente fue cuando todavía eras un chico. Porque el término proviene de la voz guaraní ngiri y significa muchacho, niño. Es una palabra que podemos escuchar en Corrientes, Misiones y Entre Ríos, y por supuesto también en la República Oriental del Uruguay. “¡Tu recuerdo ya no es una postal, Posadas! Ni tu yerbatal, ni tu tierra colorada. Con un sapukay siento que tu voz me llama porque tengo en mí, alma de gurí”, dice la letra del chamamé Alma de gurí.
HUMITA.
La humita es mucho más que un gusto de empanada. Pero son pocos los que saben que la palabra proviene de la voz quechua jumint’a, un alimento que preparaban los antiguos pueblos indígenas del continente (incas, mayas y aztecas). Hecho a base de choclo triturado, la preparación incorpora cebolla, tomate y ají molido, se sirve envuelto en las mismas hojas de la planta del maíz. Este delicioso y nutritivo plato es típico de Chile, Bolivia, Ecuador, Perú y el norte argentino.
IRSE AL HUMO.
“Se me vino al humo” es una imagen cotidiana en el habla de los argentinos. El dicho alude al modo en que los indígenas convocaban a los malones y figura en el Martín Fierro, de José Hernández: “Su señal es un humito que se eleva muy arriba / De todas partes se vienen / a engrosar la comitiva”. Pero también la registra Lucio V. Mansilla en Una excursión a los indios Ranqueles: “El fuego y el humo traicionan al hombre de las pampas”, escribe dando a entender que una fogata mal apagada o la pólvora que quemaban los fusiles bastaban para que lanzas y boleadoras acudiesen a la humareda.
LABURAR.
Laburar surge naturalmente del verbo lavorare (trabajar en italiano), que a su vez deriva de labor en latín, cuyo significado es fatiga, esfuerzo. La connotación negativa se encuentra también en los orígenes del término en español ya que trabajar proviene del vocablo latín tripalium, traducido como tres palos: un instrumento de castigo físico que se usaba contra los esclavos. De modo que si bien el laburo dignifica y es salud; el origen de su locución nos remonta a situaciones que poco tienen que ver con esos significados.
MATE.
La propuesta es natural en cualquier parte: “¿Y si nos tomamos unos mates?”. Esta infusión, la más amada por los argentinos, toma su nombre, como muchas otras palabras, de la lengua quechua. Porque mati es la voz que empleaban los pueblos originarios para referirse a cualquier utensilio para beber. Y es que mate tiene la particularidad de aludir al contenido, pero también al continente. Un término que para los rioplatenses significa mucho más que una bebida. Porque la mateada es un ritual, un espacio de encuentro y celebración.
MORFAR.
Proviene de la palabra italiana morfa que significa boca. Con el tiempo y el uso, la expresión adquirió nuevos sentidos: padecer, sobrellevar, sufrir: “Me morfé cuatro horas de cola”. En el ámbito del deporte, especialmente en el terreno futbolístico, suele emplearse el giro “morfarse la pelota”, algo así como jugar solo sin pasar el balón a los otros jugadores. Pero tan instalado estaba el término en la década del 30, que el historietista Guillermo Divito creó un personaje para la revista Rico Tipo que se llamaba Pochita Morfoni, una señora a la que le gustaba mucho comer.
MOSCATO.
Quizás los más jóvenes asocian el término a la famosa canción de Memphis La Blusera, Moscato, pizza y fainá. Sin embargo, el tradicional vino dulce, llamado así porque está hecho con uva moscatel, perdura más allá del blues local y sigue siendo un clásico de los bodegones y pizzerías de todo el país. El hábito llegó con los inmigrantes italianos a fines del siglo XIX, pero la costumbre de servirlo cuando se come una buena porción de muzzarella es propia de nuestro país y comenzó a establecerse allá por 1930.
NO QUIERE MÁS LOLA.
Lola era el nombre de una galleta sin aditivos que a principios del siglo XX integraba la dieta de hospital. Por eso, cuando alguien moría, se decía: `Este no quiere más Lola`. Y, desde entonces, se aplica a quien no quiere seguir intentando lo imposible.
ÑANDÚ.
De norte a sur y hasta la provincia de Río Negro, el ñandú es una de las aves que más se destaca en los paisajes de la Argentina. Este fabuloso animal de gran porte, que puede llegar a medir hasta 1,80 m de altura, toma su nombre de la lengua guaraní, en la que ñandú significa araña. La explicación alude a las semejanzas entre los elementos de la naturaleza. Los pueblos originarios veían un notorio parecido entre el plumaje del avestruz americano -y las figuras que se forman en él- y los arácnidos que habitan las regiones subtropicales.
NI EN PEDO.
Para ser tajantes, a veces decimos que no haremos algo "Ni en pedo", "Ni mamado", o “Ni ebrios ni dormidos”. Algunos sostienen que la expresión nació cuando Manuel Belgrano encontró a un centinela borracho y dormido. Enseguida, habría establecido una norma por la que “ningún vigía podía estar ebrio o dormido en su puesto”. Otra versión dice que, tras el triunfo en Suipacha, alguien alcoholizado propuso un brindis “por el primer Rey y Emperador de América, Don Cornelio Saavedra”. Mariano Moreno se enteró y lo desterró diciendo que nadie “ni ebrio ni dormido debe tener expresiones contra la libertad de su país”.
NO QUIERE MÁS LOLA.
Cuando no queremos más complicaciones, nos cansamos de participar en algo, o necesitamos cesar alguna actividad, decimos: “No quiero más lola”. En la Buenos Aires de 1930 se fabricaban las galletitas Lola. Elaboradas con ingredientes saludables, eran indicadas en las dietas de los hospitales. En ese contexto, cuando un enfermo podía empezar a ingerir otro tipo de alimentos, se decía que “No quería más lola”. Otro uso, más oscuro: cuando fallecía un paciente internado, obviamente, dejaba de comer. De ahí el dicho popular: “Este no quiere más lola”.
PANDITO.
Los mendocinos emplean muchos términos propios que pueden escucharse en su territorio y también, debido a la cercanía, en Chile (y viceversa). Una de las voces más representativas de este intercambio lingüístico es guón, apócope del huevón chileno. Existen algunas otras, pero menos conocidas. Por ejemplo, pandito. ¿Pero qué significa? Proviene de pando y quiere decir llano o poco profundo. “Me quedo en lo pandito de la pileta” o “Donde topa lo pandito”, que alude a donde termina el llano y comienza la montaña.
PAPUSA.
El lunfardo, la creatividad de la calle y el tango se ocupan de piropear y resaltar la belleza de la mujer. Quizá, una de las palabras que mejor lo hace sea papusa, empleada para referirse a una chica bonita, atractiva o espléndida. Este término, que también funciona como sinónimo de papirusa, se puede encontrar en clásicos del tango rioplatense como El ciruja, de Alfredo Marino, o ¡Che, papusa, oí!, de Enrique Cadícamo, que inmortalizó los versos “Che papusa, oí los acordes melodiosos que modula el bandoneón”.
PATOVICA.
Llamamos patovicas a quienes se ocupan de la seguridad de los locales bailables. Pero esta expresión nació lejos de las discotecas y cerca de los corrales avícolas. Allá por 1900, Víctor Casterán fundó en Ingeniero Maschwitz un criadero de patos y lo llamó Viccas, como las primeras letras de su nombre y su apellido. Alimentados con leche y cereales, los patos Viccas eran fornidos y sin grasa. La semejanza entre estos animales y los musculosos de los gimnasios surgió enseguida. Que los hercúleos custodios de los boliches terminaran cargando con ese mote, fue cuestión de sentarse a esperar.
PIBE.
Los rioplatenses suelen utilizar la expresión pibe como sinónimo de niño o joven. Existen diferentes versiones sobre su origen. La más difundida señala que proviene del italiano, algunos creen que del lombardo pivello (aprendiz, novato) y otros que se tomó del vocablo genovés pive (muchacho de los mandados). Pero la explicación española aporta el toque de humor. La palabra pibe, del catalán pevet (pebete), denominaba una suerte de sahumerio que gracias a la ironía popular y la subversión del sentido pasó a nombrar a los adolescentes, propensos a los olores fuertes.
PIPÍ CUCÚ.
Este argentinismo se usa para decir que algo es espléndido o sofisticado. La divertida leyenda cuenta que se popularizó en la década del 70 cuando Carlos Monzón llegó a París para pelear con el francés Jean-Claude Bouttier. Antes del combate, el argentino recibió la llave de la ciudad y, al tomar el micrófono para agradecer el honor, se dispuso a repetir el discurso que había ensayado largamente. La carcajada de la platea se desató cuando Monzón, en lugar de decir “merci beaucoup” (muchas gracias en francés) tal como lo había practicado, expresó algo nervioso: “pipí cucú”.
PIRARSE.
Pirarse es piantarse. Es decir, “irse, tomarse el buque”. Y literalmente así nace este verbo. El piróscafo era un barco a vapor que, en los primeros años del siglo XX, constituía la forma más rápida de viajar de un continente al otro. Por eso, la expresión “tomarse el piro” empezó a usarse para decir que alguien se marchaba de un lugar de manera apresurada. Sin embargo, el tiempo le otorgó otro significado: el que se iba, podía hacerlo alejándose de la realidad: “Está pirado”, “No le digas así que se pira”. Entonces, pirarse pasó a ser sinónimo de enloquecer.
PONCHO.
El poncho es una prenda sudamericana típica por definición que forma parte de la tradición criolla. Por simpleza, comodidad y capacidad de abrigo, es utilizado hasta el día de hoy en la Argentina, Chile, Ecuador y Bolivia. El origen de la palabra que lo denomina tiene muchísimas variantes, pero una de las más difundidas explica que proviene del quechua, punchu, con el mismo significado. Otra versión la relaciona con punchaw (día en quechua), como una analogía entre el amanecer de un nuevo día y la acción de emerger la cabeza a través del tajo del poncho.
PORORÓ.
Si algo destaca al maíz y a sus distintas preparaciones en todo el mundo, especialmente en Latinoamérica, es la gran cantidad de voces que lo nombran. Lo que en Buenos Aires se conoce como pochoclo y en otros países son rosetas de maíz; en Misiones, Corrientes, Entre Ríos, Chaco, Formosa y Santa Fe se le llama pororó. Esta palabra encuentra su origen en el guaraní. Es que los nativos le decían pororó a todo aquello que generaba un sonido estruendoso y, como es sabido, la preparación de este alimento, provoca la idea de pequeñas explosiones.
TANGO.
El tango es uno de nuestros géneros musicales y de danza más tradicionales. Sin embargo, la etimología de su nombre es objeto de fuertes controversias. Hay quienes dicen que el término proviene de tangomao, un africanismo con el que se definía a los traficantes de esclavos en la época colonial. De este modo, en América se llamó tango a los sitios donde se reunían los africanos para bailar y cantar. Otra teoría señala que el mismo vocablo entró en la segunda mitad del siglo XIX, desde Cuba y Andalucía, para denominar un género musical que en el Río de la Plata adquirió su propia idiosincrasia.
TENER LA VACA ATADA.
“Vos tenés la vaca atada”, le decimos a quien disfruta de un garantizado bienestar económico. El dicho nace en el siglo XIX, cuando en la Argentina se impuso el modelo agroexportador y muchos estancieros se enriquecieron gracias a la vasta cantidad de hectáreas que podían explotar. En aquellos tiempos, era común que los nuevos ricos viajaran a Europa con sus familias. Era costumbre que también llevaran a su personal de servicio y una vaca para obtener la leche para sus hijos durante el viaje. El animal tenía que viajar sujeto en un rincón de la bodega del barco. Esa es la famosa vaca atada.
TILINGO.
Hay palabras que, como si se tratara de una moda, aparecen y desaparecen del uso cotidiano según el contexto histórico. Es el caso de tilingo, la expresión popularizada por Arturo Jauretche, quien la instaló en el habla de los argentinos como un adjetivo para calificar a las personas que se preocupan por cosas insignificantes y ambicionan pertenecer a una clase social más alta. Además, este pensador emblemático del siglo XX actualizó el empleo de cipayo e introdujo los términos vendepatria y medio pelo.
TIRAR MANTECA AL TECHO.
Seguramente más de una vez le habrás dicho a alguien: “Dejá de tirar manteca al techo”. El giro busca expresar la idea de un gasto ostentoso e innecesario y su origen se ubica en la Buenos Aires de 1920. Por entonces, los jóvenes adinerados se divertían en los restaurantes de moda arrojando rulitos de manteca con el tenedor. Le apuntaban al techo y el objetivo era competir para ver quién era capaz de dejar pegados más trozos al cielo raso, o cuál de todos se mantenía adherido por más tiempo. Una práctica absurda de la que, afortunadamente, solo nos queda la expresión cotidiana.
TODO BICHO QUE CAMINA VA A PARAR AL ASADOR.
Tomado del Martín Fierro, el libro de José Hernández icono de la literatura gauchesca, este refrán se basa en la idea de que cualquier animal se presta para ser asado y comido. Sabido es que en la Argentina amamos los asados y todo el ritual que los envuelve. Pero, además, con el tiempo el dicho “Todo bicho que camina va a parar al asador” evolucionó sumando otros significados. Durante las décadas del 40 y 50, la frase fue utilizada también para hacer alusión a las cosas o personas cuyas acciones tienen un final previsible.
TRUCHO.
Desde hace algunas décadas es un término de uso ineludible en nuestro lenguaje cotidiano. Para los argentinos, las cosas falsas, tramposas o de mala calidad son truchas. Y dentro de esa categoría entran también las personas fraudulentas. Deriva de la palabra truchimán, muy común en el español antiguo y que refiere a personas sin escrúpulos. El empleo de trucho se hizo popular en 1986 cuando, a raíz de la crisis ecológica causada por algunas empresas en el río Paraná, el periodista Lalo Mir comentó en su programa radial que los funcionarios debían dar la trucha (cara) porque si no eran unos truchos.
VAGO.
Córdoba tiene su propia tonada, su propia forma de hablar y, claro, su modo particular para usar las palabras. En cualquier otra región, el término vago hace referencia a alguien perezoso, a un holgazán que nunca tiene ganas de hacer nada. Pero en esta provincia, vago puede ser cualquiera. Es que la palabra se utiliza para dirigirse a otra persona en forma totalmente desenfadada. Así, una frase como “El vago ese quiere trabajar todo el día” no encierra ninguna contradicción si es pronunciada dentro de los límites del territorio cordobés.
VIVA LA PEPA.
Contra lo que pudiese creerse, `viva la Pepa` no es el grito de alegría de un buscador de oro, sino el que usaban los liberales españoles en adhesión a la Constitución de Cádiz, promulgada el 19 de marzo de 1812, en la festividad de San José Obrero. Como a los José se los apoda Pepe, en vez de decir `viva la Constitución` -lo que conllevaba llegar a ser reprimidos- los liberales gritaban `viva la Pepa`. Hoy, en Argentina, su significado se ha desvirtuado y se parece a `piedra libre`.
YETA.
Significa mala suerte y se cree que deriva de las palabras napolitanas jettatura (mal de ojos) y jettatore (hombre maléfico que con su presencia produce daño a los demás). En 1904 se estrenó la obra ¡Jettatore!, de Gregorio de Laferrere, sobre un hombre con un aura funesta, y, desde entonces, los supersticiosos mantienen viva la palabra yeta. Por ejemplo, se emplea la expresión “¡Qué yeta!” en lugar de “¡Qué mala suerte!” ante una situación desafortunada. También se dice que alguien es yeta cuando se sospecha que trae mala suerte o que está enyetado cuando todo le sale mal.
ZAMBA.
No hay que confundir zamba, género folklórico argentino, con samba, música popular brasileña. Porque el simple cambio de una letra nos puede hacer viajar de una cultura a otra. La historia cuenta que durante la conquista española se denominaba zambo al hijo varón de un negro con una indígena. Por extensión, la música y la danza de esta comunidad pasó a llamarse zamba, ya que las coplas que se cantaban iban dirigidas a las mujeres. Esta danza proviene de la zamacueca peruana que, al llegar a la Argentina, incorporó el pañuelo como elemento característico.
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2019.08.23 14:25 cinefiliamalversa Duel (Duelo o Reto a la muerte) - 1971 - Steven Spielberg

Duel (Duelo o Reto a la muerte) - 1971 - Steven Spielberg

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Duel (en España, El diablo sobre ruedas; en el Perú, Duelo o Reto a la muerte en Argentina) es un telefilme estadounidense de 1971 del género de suspense, el primero de este tipo dirigido por Steven Spielberg, por entonces sin fama. Dennis Weaver y Cary Loftin dieron vida a los personajes principales.
El guion del telefilme fue escrito por Richard Matheson a partir de su novela corta homónima. Narra la inexplicable persecución a la que se ve sometido un conductor de un automóvil por parte de un desquiciado que lleva un enorme camión cisterna.
El telefilme, de 16 mm, fue emitido por la ABC el 13 de noviembre de 1971. En el cine, se proyectó en 35 mm en 1973, con la duración ampliada desde 74 min. hasta 90.
Cuando David intenta adelantar a un camión cisterna no se imagina que el conductor se lo tomará como una ofensa personal. A partir de ese momento, el diabólico camionero someterá a David a una persecución mortal.

online, subtitulado y en HD:

https://cinefiliamalversa.blogspot.com/2015/11/duel-1971-steven-spielberg-subtitulado.html
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2019.04.29 07:26 artate [RANT] Cine Argentino de la "Década Ganada"

Hoy vino mi hermano a casa y después de jugar al SEGA dijimos "vamos a ver una peliii". Una romántica! Una comedia! Decantamos por una comedia romántica. Como en Netflix no había una mierda resolvimos entonces ver una por CINE.AR Play. Vamos Argentina!! La idea original era ver Mamá se fue de Vacaciones, pero como no estaba entre las opciones de comedia de esa plataforma tuve la desafortunada idea de elegir para ver AGUAS VERDES, básicamente porque el protagonista en vez de Ravenna era Lampone. Veamos de qué trata el film según Cine.Ar Play:
AGUAS VERDES 2009 89min Drama-Comedia
Aguas Verdes es el nombre del balneario al que Juan y su familia se dirigen de vacaciones. De camino conocen a Roberto, un motoquero algo exótico que despertara la inquietud en Laura, la hija mayor. Poco a poco la presencia de Roberto pondrá en jaque a toda la familia. PUNTUACIÓN: 2,8.
Al ver esa valoración dijimos "bueeeno, si está Lampone vemos qué onda y si es mala la sacamos". La película no solo que es MALÍSIMA sino que es perturbadora, inquietante, incómoda. Una mierda. Y no quiero que se me malinterprete en este sentido: Durante toda la película vamos a ver como este Roberto, de unos treinta y pico de años, anda atrás de la hija de Lampone (qué tiene ella…16? 17 años?), bah no solo eso, sino que la acosa, la manosea, lo cual enoja a Lampone, a la piba le encanta y a la madre de ella le chupa un huevo. Cierto es tambien que la chica andaba atrás de cualquier musculoso o gordo que apareciera pero bueno. A todo esto, Lampone, NO HACE NADA al respecto durante toda la película, salvo al final y me cago en el spoiler luego de que este Roberto se chamuye a la mujer de Lampone, manosee a la hija de Lampone, haga que el hijo menor de Lampone (un nene que se ve está medio desequilibrado porque durante todo el film jugueteó con un pescado, se paseó desnudo por los médanos o agarró un forro usado que estaba tirado por ahí) se toquetee con su hermana y, ah sí, obvio -porque sino no sería cine argentino- este Roberto le convidara porro a la mamá y a la chica para predisponerlas, y todo esto durante una misma escena frente a un fogón. El pibito zafó de la fumeta. Cuestión que Lampone va, lo mata al Roberto este y la película termina con unos primeros planos de unos buitres sobrevolando sobre el pescado con el que jugaba el nene. FIN. Termina la película a lo que nos quedamos con cara de WTF y asquiados, lo cual es el motivo principal de este post en realidad:
¿Qué acaso no fueron esos los valores morales, éticos, culturales y sociales que el kirchnerismo nos inculcó durante los 12 años de su gobierno?!
Quiero decir, no estoy en contra de que cualquier enfermo de mierda que estudie una carrera de cine decida volcar toda su depravación en un film pero…por ejemplo…a Tarantino lo financiaba DIRECTAMENTE VÍA SUBSIDIOS el Estado norteamericano? Los invito a repasar brevemente quiénes financiaron y produjeron, en esta ocasión, el film Aguas Verdes:
Primero antes que nada la mismísima Marca-País Argentina
Sí. Justamente la que durante el gobierno de Macri cambió su imagen, esta película es auspiciada por aquel primer diseño que fuera lanzado por Nestor Kirchner durante el 2006. Por aquel entonces el gobierno K decía lo siguiente:
La estrategia de Marca País es una política de Estado, interdisciplinaria y multisectorial, que busca posicionar a la Argentina ante el mundo para aumentar y diversificar el turismo, las exportaciones y las inversiones, pero también generar una imagen positiva de todas sus actividades, habitantes e idiosincrasia.
¿Qué turismo se puede diversificar de Aguas Verdes donde presentan al balneario como un lugar donde los carniceros y los guardavidas son unos pajeros o las maestras unas calentonas de mierda? ¿Qué imagen positiva se puede dejar de los habitantes y su idiosincrasia si se los muestra como tolerantes al acoso, la infidelidad, la pedofilia, la droga para usos recreativos o el asesinato como último recurso luego de que, justamente por ser progres nomás, hayamos tolerado todo lo anterior hasta los niveles más exasperantes? Por lo menos eso es lo que aquella Marca-País asoció a esta película. ¿Qué otros valores subvertidos se habrán cobijado bajo el amparo de la marca representativa del país? Piensen en cualquier película argentina lanzada entre el 2006 (año de lanzamiento de la marca-país por parte de los K) y el 2015 (el final de su mandato) para que se den una idea…
Cine Argentino e INCAA Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales
Los titulares durante el año 2017 fueron contundentes al respecto:
Denunciaron el cobro de coimas en el INCAA durante el kirchnerismo a cambio de subsidios.
Porque sí: Podemos dejar para otra edición si quieren el tema de corrupción en la obra pública, o en las universidades públicas, o en el manejo territorial de la política, o en la politización de la educación secundaria, o el narcotráfico, o, oh, o… Hoy centrémonos en la corrupción en el Instituto Nacional de Cine y Artes Visuales.
Ya para el 2014, nos desayunamos con esta noticia:
El Ministerio de Planificación amplió en $36 millones el gasto en "obras de arte"
La cartera a cargo del ministro Julio De Vido gastará $238.530.000 durante 2014 en obras destinadas al Centro Cultural Presidente Dr. Néstor Kirchner, que se encuentra en construcción desde hace 5 años
Cinco años habían pasado también del estreno de Aguas Verdes. Al conocerse la noticia, voceros de De Vido argumentaron en un comunicado que esas erogaciones tenían como fin la adquisición, mediante concursos públicos y con jurados especializados, de ficciones y documentales audiovisuales que "están incorporadas al patrimonio del Estado Nacional y debidamente catalogadas", afirmando que las "obras de arte" eran más de 3 mil horas de contenido audiovisual disponible en el Banco de Contenidos Universales Argentinos (Bacua). Es decir, según Planificación, los 238.530.000 pesos gastados durante el 2014 eran para potenciar el sitio del Bacua.
De acuerdo con un relevamiento en el Boletín Oficial realizado por Eliminando Variables, los gastos no coinciden con los asignados a ese Banco de Contenidos en lo que va del 2014, como así tampoco al dinero asignado a producción de diversas clases de series, documentales, animaciones y programas televisivos que Planificación considera como "obras de arte". En total, los números que Planificación destina al Bacua trepan a $327.610.000, según unas 19 resoluciones del ministerio firmadas en conjunto con el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) y la Universidad Nacional de San Martín. La cifra supera en $89.080.000 al gasto asignado de 238.53 millones de pesos en supuestas "obras de arte" para el año actual, según las diversas partidas presupuestarias.
Los objetivos propuestos por el Ministerio de Planificación en el Presupuesto 2014 afirman que una de las tareas de esa cartera es "continuar con la capacitación actoral en producción audiovisual formando y perfeccionando a los actores, actrices y técnicos de diferentes puntos y regiones del país en producción audiovisual en forma conjunta con la Asociación Argentina de Actores (AAA) y el Sindicato Argentina de Televisión (SATSAID)". A juzgar por el resultado logrado en Aguas Verdes, se nota que la formación técnica no alcanzaba a guionistas o directores porque sino hubiera sido difícil explicar cómo contenidos tan en contra de los valores que cualquier nación gustaría promover llegaran a ser financiados por entes estatales.
De todas formas cabe destacar que los años de corrupción kirchnerista en el INCAA tuvieron su continuación durante el macrismo, aunque es justo señalar que la Justicia ya se ha expedido al respecto por lo que se espera un INCAA que comente otros contenidos bajo el amparo estatal.
UNIVERSIDAD DEL CINE Buenos Aires
Dice la Wikipedia:
La Universidad del Cine (FUC) es una universidad nacional de gestión privada, con sede en el Barrio de San Telmo en la Ciudad de Buenos Aires. Fue fundada en 1991 por el director de cine Manuel Antin, quien es su actual rector. En 2003 fue autorizada definitivamente mediante el Decreto Nº856/2003.1​
El director de Aguas Verdes, Mariano De Rosa, figura dentro de la lista de Alumnos Notables en la página de Wikipedia de la Universidad. Bien por él.
Instituto Cultural Buenos Aires La Provincia - Área de Cine y Artes Audiovisuales Dirección de Industrias Culturales
Nuevamente el Estado, en este caso el provincial. Recordemos por entonces en manos (sic) de Daniel Scioli. Veamos un poco de qué iba el Instituto Cultural allá por el 2006, a tres años de que se estrenara la película en cuestión:
Cuando desde el Gobierno se pide reordenar la comunicación y poder instalar la identidad estatal con la impronta que merece, recién el IC estaba saliendo de su pase de secretaría a ministerio y todos los focos provinciales que impartían de alguna manera cultura, comienzan a funcionar como dependencias del mismo.
El instituto se encontraba en ese momento (2003) con una pirámide estructural para organizar y poder fijar los pilares que posteriormente formarían parte de la estructura que hoy es.
Además de organizar una parte estructural fundamental y con el propósito de poder expandir esa cultura a la largo de todo la provincia, había que intentar que la comunicación visual tuviese relación entre sí y además instalar la identidad estatal que el Gobierno pretendía.
Las pautas que bajara el Gobierno para el Instituto debían tener la flexibilidad necesaria, ya que el Instituto Cultural, no es lo mismo que salud, que seguridad o que economía.
Fue para la fecha de estreno de la película que sucede esto:
Daniel Scioli entregó, junto al Instituto Cultural, subsidios a municipios de la provincia
Por Mercedes estuvo presente Fernando Pachiani. La ciudad fue favorecida entre otras 30 bonaerenses. Destacaron la puesta en marcha de un ciclo de cine nacional para la toda la provincia.
Estos subsidios se otorgaron para promover acciones culturales tan amplias como fiestas populares, filmación de películas, apoyo a centros culturales en el desarrollo de programas de extensión y promoción cultural, proyectos regionales, etcétera.
Quizás por una cuestión de fechas es que no aparece El Partido de la Costa como otro de los patrocinadores. Aunque, nuevamente: Conviene presentar un parador balneario de forma tan atroz? Los Bañeros Mas Locos del Mundo TodoPoderosos fueron mil veces más condescendientes (y no revisé quién estuvo detrá$ de ese film, todavía).
FUNDACIÓN TyPA Teoría y Práctica de las Artes Visuales
Tengamos en cuenta que son una ONG. Según ellos mismos:
La Fundación TyPA genera espacios de encuentro, formación y visibilidad en el campo de las letras, los museos, el cine y las artes.
Organiza talleres y conferencias, investiga, publica, asesora, y construye redes de trabajo con el fin de favorecer la producción cultural de Argentina y América Latina.
POR QUÉ? Porque entendemos que el favorecimiento de la producción artística, el contacto activo entre culturas y la protección del patrimonio contribuyen a conformar la identidad de una nación, facilitan la aceptación de la diversidad y mejoran la calidad de vida de las sociedades.
Me encanta como desde el Estado mismo, la Universidad o esta ONG falopa redundan en el tema de la identidad nacional, el aceptar la diversidad y mejorar la calidad de vida. Claro. Porque financiar películas para presentar familias segregadas a disfuncionales, donde un violín de cuarta puede entrar a ocupar el lugar del padre de familia con porro chamuyandose a la piba, corrompiendo niños y llevando todo al borde de la paranoia cumple con esas premisas de "contribuir facilitar y mejorar" la identidad nacional, la aceptación de la diversidad y la calidad de vida de la sociedad.
Y esto sin caer en el hecho de que no creo en ninguna ONG por el simple hecho de que, para ellas, ¡todo aporte es bienvenido! (y estos te lo ponen así, al pie de la página con signos de exclamación y todo…)
RIZOMA Films
Acá ya entramos en el terreno de las productoras. En cuanto a esta la info disponible es muy escasa. La pagina web de ellos solo tiene su logo y abajo un botón para acceder a su fan page, de donde podemos leer la siguiente información:
Rizoma es una productora de cine independiente creada en el año 2001 como parte del surgimiento de la nueva generación de cineastas de la Argentina. En 17 años Rizoma produjo más de 30 películas entre producciones propias, co-producciones y servicios de producción.
Cero detalles acerca de si han producido alguna que otra morbosidad como Aguas Verdes o algún dato que diga cuánto recibieron en subsidios para realizar este film.
RUDA Cine
A diferencia de Rizoma esta gente sí da la cara. Es fácil acceder a su CUIT, en su página web está no solo el clásico acerca de nosotros sino que brindan datos acerca de la película en cuestión. Solo por eso: Gracias.
Ruda Cine es una compañía productora de cine con base en Buenos Aires, Argentina, dedicada a trabajos de corto y largometraje, de documental y ficción, con especial interés en el cine de autor.
Recordemos que el autor de la película Aguas Verdes es Mariano de Rosa.
Ruda Cine ha trabajado con algunos de los directores más destacados de la región y ha recibido numerosos reconocimientos internacionales.
Recordemos que Mariano de Rosa figura como alumno notable en la página de Wikipedia de la Universidad de Cine.
Ruda Cine presta servicios de producción audiovisual para institucionales y publicidades, a nivel nacional e internacional.
Bien. Veamos ahora qué nos dicen de la película que produjeron, Aguas Verdes, mediante la siguiente sinopsis que tienen es su página web. Les pido por favor que recuerden esta sinopsis QUE ES LA DE LA PRODUCTORA MISMA porque luego en el apartado de críticas veremos como, por defender cualquier creencia o ideología, se pervierte hasta el significado mismo que los realizadores le dieron a la película:
Juan, junto a su mujer y a sus dos hijos, parte en automóvil de veraneo rumbo a Aguas Verdes, un balneario familiar de la provincia de Buenos Aires. La primera parada es en una estación de servicio. Allí, Laura, la hija adolescente, conversa con un hombre desconocido que viaja en moto. Este encuentro inquieta a Juan. El resto de la familia se ríe de sus miedos. La familia, una vez situada en Aguas Verdes, parece disfrutar de la nueva rutina de descanso y playa: pasan horas tirados en la arena, se bañan en el mar, los hijos van a los videojuegos del centro mientras la pareja recupera momentos de intimidad. Una tarde, Roberto, el viajero a quien Laura conoció en la estación de servicio, reaparece. Se acerca a Laura y con mucho encanto se relaciona con el grupo familiar y con los nuevos amigos que éstos han hecho. Todos se ven atraídos por él excepto Juan, quien se irrita ante su sola presencia. Día a día, Roberto, con su excentricidad y natural seducción, avanza en su conquista y es aceptado por la familia, mientras Juan se siente desplazado. Juan insiste en señalar que Roberto no un tipo confiable. Lo que para todos es diversión y juego, Juan lo vive como una traición. Siente extraños a los suyos y va construyendo un escenario de sospechas y paranoia. De manera silenciosa y subterránea, Juan establece una lucha de poder en la que su enemigo es Roberto, pero que va más allá de este. Ha perdido la confianza en quienes hasta ahora eran sus seres más cercanos: su propia familia. Eliminando a quien ve como su enemigo, intentará recuperar el equilibrio perdido.
Vuelvo al me cago en el spoiler: Eliminando a quien ve como su enemigo (ese que se chamuyó a su mujer, se manoseó a su hija, a las cuales les convidó porro y encima pervirtió la mentalidad de su hijo menor) Juan no intenta recuperar ningún equilibrio perdido. La familia queda totalmente rota. El único dialogo después de esto fue cuando Lampone le dice a su hijo que tire el pescado podrido ese con el que jugaba a la mierda. Fin de la película. Peeero volvamos a Ruda Cine y qué más tienen para decirnos acerca de Aguas Verdes:
Con el apoyo de — INCAA - Premio Primeras y Segundas Películas 2004. — Universidad del Cine
Los repartidores de prevendas que detallamos más arriba.
Festivales — Festival Internacional de Berlín 2009 / Sección Forum
LA PELÍCULA GANÓ UN PREMIO!!! Genial, hablemos ahora del director.
Mariano De Rosa
¿Qué mensaje habrá querido transmitir con esta película? ¿Cuál era la idea fuerza del film? ¿Tendrá relación con lo que los críticos (tanto a favor como detractores) opinaron del film? Veamoslo a través de esta entrevista concedida a Página 12 por motivo del premio ganado en Berlín:
Yo creo que es una historia universal. Se podría filmar en cualquier parte, sea un balneario o un lugar donde la familia se vaya de vacaciones. No tiene mucho de local a nivel de costumbrismo. Ahora, a nivel de idiosincrasia argentina, sí tiene de local lo que les pasa a los personajes. Mucha gente en los balnearios me decía: “Es algo típico lo que le pasa a este hombre”. Me lo decían los bañeros, la misma gente del lugar, algún que otro turista. Y lo que tiene de universal es que justamente trata un hecho universal, pero sin ampulosidad.
¿Se acuerdan de la marca-país, de la Fundación PyTA, del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y demás que todos hablaban de que su valor principal era el tema de la identidad? Pues el director lo recalca: Lo único que tiene de identidad nacional es lo que le pasa a Lampone PONERSE PARANOICO PORQUE LE TOCAN LA NENA, LE VIRLAN LA MINA O LES DAN PORRO A SU FAMILIA. Interesante…veamos qué más podemos rescatar del director:
(el film) tiene como trasfondo la idea de qué es lo que tiene que hacer un padre, para qué sirve un padre, cuándo falla un padre. Más o menos, sería su función. Y además, estaba la idea de bucear en un esquema familiar: para mí no es una familia disfuncional ni atípica. Es una familia que está justo en un momento de crisis: hay un padre que tiene un punto débil muy claro y lo que le pasa es el colmo de lo que le podría suceder a una persona así.
La hija mayor todavia menor de edad está alzada. La jermu está en otra, todo le chupa un huevo. El nene anda jugando en bolas con forros usados pero el fallado es el padre. Mmm…puede ser? Dame más Mariano De Rosa!!
Me parece que Juan es un tipo que tiene un problema claro, es un paranoico. Pero no lo catalogaría como el típico paranoico. Se le dispara eso cuando ve que le pueden tocar a la nena, pero no es un tipo que vive perseguido, para nada.
Ok, suficiente por ahora. Pasemos al último escalón de esta caída libre a lo más bajo del ser nacional hecho séptimo arte
LA CRÍTICA
Pueden buscar ustedes mismos qué calificación recibió el film por parte del circuito mainstream de crítica de cine, aunque se imaginarán por dónde viene la cosa. No abordaron la crítica desde el lugar que me enfoqué yo. Solo hicieron eco en la paranoia de Lampone por un lado, y en enumerar todos los defectos técnicos que la película pudiera presentar. Guion flojo. Planos mal logrados. Actuaciones pálidas. Etc etc etc. Ni Catalina ni La Nación ni ningún crítico de los reconocidos por el grueso de la gente (los que recomiendan películas para "los amantes del género") invitaron a ver Aguas Verdes. Pero entonces, quiénes lo hicieron? Y por qué…
Página 12 para dar cuenta que la película ganó el premio en Berlín.
Otros Cines para denunciar las falencias ya existentes inclusive durante el kirchnerismo (antes de que estallara el escandalo por el Fondo de Fomento Cinematográfico en 2017) para la promoción y exposición del Cine Argentino.
Pero la frutilla del postre es para Escribiendo Cine donde para ellos esta película lo que promueve es lisa y llanamente, y lo dicen desde el título, EL FIN DEL PATRIARCADO!!!
TL;DR: Durante el kirchnerismo, a través del Ministerio de Producción, del INCAA, de otros Ministerios, Secretarias, instituciones públicas y demás se ha girado muchísimo dinero para subsidiar producciones audiovisuales que lo único que hicieron fue promover la delincuencia, la corrupción de menores, la drogadicción, el desmembramiento de la familia, entre otros antivalores que distintas productoras, gracias al financiamiento que el mismísimo Estado les otorgaba, apenas lograron llegar a exponer en algunas pocas salas vacías debido a la corrupción con la que aquel gobierno administraba la cosa cinematográfica.
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2018.07.23 14:04 javielalto1 Universo Marvel y su historia

La insólita historia de las películas de Marvel antes de su Universo Cinematográfico El estreno de Iron Man en 2008 dio el pistoletazo de salida al UCM de Marvel que le ha dado tantos éxitos. Sin embargo, la ligazón de Marvel con el cine se remonta cinco décadas con varias películas bochornosas. Esta es la historia de las películas de la editorial antes de ser lo que son hoy y de las idas y venidas de los derechos de sus personajes.
Hoy el cine de superhéroes es una máquina de hacer dinero. El éxito de Avengers: Infinity War y sus 2.000 millones de dólares de taquilla se ha visto como la consecución de la veintena de películas de Marvel que la editorial ha ido lanzando junto con Disney en la última década. No se trata de que Infinity haya sido una película sublime, se trataba de que comenzaba a cerrar una historia con la que han crecido niños y los padres de estos que han visto a sus héroes de los cómics llevados a la gran pantalla.
Sin embargo, antes de que Marvel de la mano de Kevin Feige comenzara a diseñar todas las conexiones entre películas de su Universo Cinematográfico, y de que Disney viera en ello la próxima gran franquicia de la actualidad, la editorial tuvo una dilatada y en gran parte dilapidada carrera en el cine con más de cincuenta años de historia, treinta de receso, y varios fracasos absolutos. Esta es la historia de las películas de Marvel antes de ser lo que son hoy y de las idas y venidas de los derechos de sus personajes.
El camino a Avengers: Infinity War, el auge del cine de superhéroes Primeras apariciones en cine y televisión de Marvel
Imagen del serial de Capitán América (1944). Republic Pictures La primera película de Marvel en el cine no fue en sí una película, sino un serial de 15 escenas que se proyectaba detrás de largometrajes. Su inspirador, como no, era el héroe más popular de la época. La primera película del Capitán América (1944) fue realizada por la productora Republic Pictures, su formato secuenciado en varias entregas la hizo relevante y exitosa, pero Marvel --entonces llamada Timely Comics-- no acabó del todo contenta con el trato que se dio a su personaje, que usaba armas de fuego en un tiempo en el que en los cómics, muy enfocados al público juvenil, todavía no lo hacía. Pese a esto, este Capitán América ingenuo fue homenajeado en El Primer Vengador (2011), en las escenas en las que Steve Rogers se convierte en una especie de héroe nacional.
Huida del cine durante años después de este primer intento, Marvel prefirió centrarse en la televisión gracias a un acuerdo con CBS para presentar en versión real a sus personajes. De este acuerdo salió una primera película de Spiderman (1977) protagonizada por Nicholas Hammond como Peter Parker, Doctor Strange (1978) y dos cintas más para TV a cargo del Capitán América (1979).
El intento no fue del todo mal para ambas compañías, pero se cuenta que Stan Lee acabó especialmente enojado con el tono excesivamente infantil que se daba a Spiderman, así que Marvel rehusó los derechos del personaje y se los cedió (oh, sorpresa) a Toei. La productora japonesa que llevó a la animación a Dragon Ball usó a Spidey para crear un personaje más japonés: Supaidaman, que a la postre sembraría el germen del género Super Sentai, esos escuadrones compuestos por jóvenes con trajes apretados conocidos mundialmente bajo la franquicia Power Rangers. Las vueltas que da la vida y los derechos de Marvel, y solo acabamos de empezar.
Howard the Duck (1984), la primera película moderna de Marvel Con estas idas y venidas, es normal que Marvel se alejara un tanto de las producciones en acción real (sus dibujos animados, eran otra historia) tanto en cine como en televisión. Sin embargo apareció un hombre que se interesó por un personaje especial. Ese hombre no era otro que George Lucas, quien tras American Graffiti (1973) se entrevistó con Marvel con interés por hacer una película de su personaje Howard The Duck.
Howard The Duck es quizá el personaje de Marvel menos Marvel de todos. Teñido de un humor ácido y sarcástico, la historieta creada por Steve Gerber nos cuenta la historia de un extraterrestre con forma de pato que acaba desterrado en la Tierra. Sus aventuras son un simple método para explorar la crítica social. A Lucas al parecer le encantaba, aunque dejó apartado el proyecto para centrarse en una pequeña saga sin repercusiones llamada Star Wars. Una vez estrenadas las tres primeras entregas de La Guerra de las Galaxias, Lucas retomó la idea de Howard The Duck, llevándolo a una cinta de acción real con efectos especiales muy avanzados para le época, pero que acabó siendo un fracaso.
La película acabó con un beneficio cero tras recaudar 38 millones de dólares y unas críticas pésimas, siendo nominada a siete premios Razzie (los que señalan a las peores películas) y sellando la primera película de Marvel para el cine como un rotundo fracaso. Eso sí, de este resbalón con creces se rió Marvel años después, cuando incluyó al personaje en una de las escenas post-créditos de Guardianas de la Galaxia.
Vuelta a la TV y batacazo en el cine mientras DC resurge Marvel volvió a espantarse del cine tras el experimento con su pato extraterrestre para regresar al resguardo de la televisión. Allí había funcionado bastante bien en los mediados de los ochenta la serie de acción real sobre Hulk, interpretado por el culturista Lou Ferrigno. Visto como un buen activo, alargó los derechos del personaje a New World Televisión para lanzar tres películas para la pequeña pantalla. Estas serían The Incredible Hulk Returns (1988) The Trial of the Incredible Hulk (1989) y The Death of the Incredible Hulk (1990), la última con un título de era pre-spoilers.
Aunque estas películas para televisión seguían siendo muy naíf, dispusieron algunos elementos que son parte del Marvel moderno. En cada una de ellas se introdujo un personaje añadido (Thor en la primera y Daredevil en la segunda) a modo de crossover, mientras que Stan Lee apareció en cameos como hace en las producciones actuales.
Pese a esto, Marvel volvió a intentarlo en el cine. Vendió los derechos de The Punisher a New World Pictures (absorbida después por FOX), aunque problemas de producción acabaron revertiendo estas licencias a Lionsgate y Artisan. Marvel, de todas formas, no quiso entregar a su antihéroe con el pack completo: prohibió por ejemplo que usara su habitual camiseta con la calavera, así que el personaje, interpretado por Dolph Lundgren, acabó quedando descafeinado. La cinta fue otro fracaso más que acabó estrenándose directamente en vídeo en 1989.
A la par, La Casa de las Ideas también había entregado los derechos de Capitán América a Cannon, una empresa centrada en películas de bajo presupuesto que estuvo varios años dando forma a la idea de una película del héroe norteamericano. Aunque se quiso lanzar para 1990 con motivo del 50 aniversario del estreno del personaje, su producción se postergó hasta 1992. La cinta, con malas críticas, también saldría directamente al mercado en vídeo.
Marvel acababa de cruzar dos nuevos baches importantes en el cine justo en el momento en el que su competidor directo, DC Comics, acababa de estrenar el Batman de Tim Burton, ganadora del Oscar a mejor dirección de Arte. Alguien tenía que llamar a los Vengadores para que arreglara todo aquello, y rápido, pero aún tardarían un tiempo en hacerlo.
Los duros años noventa hasta Blade Con su rival en alza en el cine, Marvel encaró los noventa con una regularidad muy marcada: todas sus películas estaban siendo un desastre. Y la primera cinta sobre Los 4 Fantásticos (1994) no iba a ser distinta.
La editorial había vendido los derechos de la familia de investigadores a un productor alemán de nombre Bernd Eichinger, dueño de una pequeña productora que parecía incapaz de sacar adelante el proyecto. Al final, cuando los derechos estaban a punto de expirar, Eichinger consiguió un presupuesto escasísimo para filmarla, aunque nunca llegaría a estrenarse a pesar de completarse el montaje y publicarse un trailer. Hay versiones enfrentadas sobre por qué nunca se llegaría a estrenar estando ya preparada, pero la más aceptada cuenta que Marvel ofreció devolver el importe del presupuesto al productor alemán para evitar que una película de serie B viera la luz con sus personajes. Aunque no se distribuyó ni en vídeo, en internet es fácil encontrar la película completa.
Con otro golpe en su coraza, Marvel volvió a retroceder a la televisión de la mano de FOX. En 1996 lanzó un telefilm sobre Generación X, el nuevo grupo de mutantes sin pena ni gloria, y dos años después, en 1998, una nueva película que si bien no es una obra maestra puede quedar marcada como toda una oda noventera; principalmente porque en Nick Fury: Agent of S.H.I.E.L.D., el papel de Fury lo interpretaba David Hasselhoff.
En ese momento, fue cuando apareció la primera luz al final del túnel, curiosamente gracias a un vampiro. El estreno de Blade (1998) con guion de David S. Goyer y dirección de Stephen Norrington fue el primer éxito de Marvel, en este caso con New Line Cinema (ahora propiedad de Warner) a quien cedió los derechos. Su ambiente violento y oscuro recaudó 131 millones por 45 de presupuesto. Apostar por Blade, un superhéroe de segunda fila en los cómics, y aunque no tenía demasiado que ver con el formato adaptado posteriormente en el Universo Cinematográfico, fue un acierto del que surgieron dos secuelas, la primera dirigida por Guillermo del Toro.
Y llegó el boom anterior al UCM (con sus éxitos y sus fracasos) Blade coincidió con la llegada al cine de toda la retahíla de derechos que Marvel había vendido para aliviar su complicada situación económica durante los años 90. FOX estrenó primero los X-Men (2000) liderados por la después alargada figura del Wolverine de Hugh Jackman, al tiempo que Sony lanzaba la esperada película de Spiderman (2002) de Sam Raimi. Cuesta trabajo pensar cómo el héroe más exitoso de Marvel no había tenido una película anterior de altura, pero el Spiderman de Raimi fue un éxito de crítica y por supuesto de taquilla.
Pero poco tardaría el cine de superhéroes en volver a las andadas. De la mano también de FOX, el Daredevil de Ben Affleck (2003) consiguió triplicar su presupuesto en taquilla, pero dejó un reguero de malas opiniones que lastraría al personaje hasta que Marvel recuperara los derechos para su serie en Netflix. Pese a esto, la buena recaudación impulsó una especie de spin-off en la película de Elektra (2005) con Jennifer Garner en el papel principal y esta vez sí, completamente ruinosa.
De la misma época son otras películas que aunque recaudaron por la expectación ahora aparecen en muchos rankings como las peores películas inspiradas por Marvel: Las dos entregas de Los 4 Fantásticos a cargo de FOX (2005-2007) y el Ghost Rider de Nicolas Cage con Sony y su secuela (2007-2011). Al tiempo, la franquicia X-Men iba sumando nuevas películas ya con Lobezno como héroe principal.
Unos años antes Marvel intentó relanzar al personaje que más éxito le había dado en acción real: Hulk (2003) de Ang Lee con Eric Bana como Bruce Banner surgió después de la cesión momentánea de los derechos a Universal Pictures. Aunque ahora se recuerda como un fracaso, la producción contó con ayuda de la editorial, y el montaje de Lee, con muchos guiños al lenguaje del cómic, fue alabado por algunos sectores de la crítica. Pese a esto, Marvel no se sintió cómodo con la recepción a pesar de generar ingresos, y retiró los derechos del gigante verde tras el estreno a Universal.
La montaña rusa de éxitos y fracasos de los primeros años del siglo XXI tuvo incluso un cadáver. Artisan, productora independiente, intentó relanzar el personaje de The Punisher en 2004 con una película con Thomas Jane en el papel de antihéroe y cuyos malos réditos acabó llevando al cierre a la empresa. Lionsgate, encargada de la distribución, recogió entonces los derechos y los siguió explotando con cabezonería en The Punisher: War Zone (2008). Esta película, aunque ya se había estrenado Iron Man, no formó parte del UCM, y menos mal porque es recordada como otro de los grandes fiascos.
Y apareció Iron Man
Marvel Studios Marvel se había plantado en los 2000 sin que la venta de sus personajes les estuviera repercutiendo grandes beneficios, y con una situación económica aún complicada. Fue en ese momento, cuando el actual CEO de Marvel Studios, Kevin Feige, decidió jugársela todo a una carta. El plan era estrenar tres película que ligaran a los personajes en un mismo universo, bajo factura exclusiva del estudio, sin productoras externas, y finalizar la entrega con una cuarta película donde se reunieran todos. Para ello, Marvel solicitó un crédito bancario para producir las dos primeras cintas. Era apostar por remontar o entrar directamente en la bancarrota.
Con sus personajes desperdigados en distintas cesiones, Marvel volvió a recurrir a Hulk (2008), esta vez con Edward Norton en el papel principal. La película, aunque hoy se recuerda como un cabo suelto por el rechazo del actor a continuar interpretando a Banner, marcaría el inicio del Universo Cinematográfico de Marvel con una escena post-créditos en la que aparecía Robert Downey Jr:
The Incredible Hulk logró recaudar 250 millones con 150 de presupuesto. No era un mal comienzo, ¿pero a quién recurrirían entonces? Feige entonces decidió que sería mejor dar entrada a un héroe de segunda fila. Iron Man no había vivido sus mejores horas en los cómics en los últimos 15 años, pero era de los pocos Vengadores históricos sobre los que la editorial mantenía los derechos.
El Tony Stark de Robert Downey Jr, con su carácter descreído y fanfarrón, consiguió en taquilla más de 580 millones y sigue siendo recordada como una de las mejores películas de Marvel. Aquella suma, llamó la atención de Disney, que se haría con Marvel ese mismo año por 4.000 millones de dólares. La editorial, ahora centrada como estudio de cine, había solucionado sus problemas económicos y encaraba una época de éxitos. El resto, de Iron Man hasta Thanos, es historia, pero sobre todo, todavía mucho futuro.
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2018.07.12 23:56 alvcuegar2 Hola, me presento

Hola!! Soy nuevo y la verdad no sé como funciona mucho Reddit, pero me hablan maravillas de él.
Soy guionista y tengo una web sobre cine y guiones que escribo que me gustaría que vieseis.
Nada más.
Muchas gracias, espero veros pronto por aquí :)
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2018.05.25 21:19 jf9820 Please tell me how close to a native speaker I might sound! (Spanish)

LOS DOCE CUENTOS de este libro fueron escritos en el curso de los últimos dieciocho años. Antes de su forma actual, cinco de ellos fueron notas periodísticas y guiones de cine, y uno fue un serial de televisión. Otro lo conté hace quince años en una entrevista grabada, y el amigo a quien se lo conté lo transcribió y lo publicó, y ahora lo he vuelto a escribir a partir de esa versión.
(From the prologue of Gabriel García Marquez's Doce Cuentos Peregrinos)
I challenged myself to a bit more of a complicated passage than my speech in daily life, but I'd love to hear if I sound decent.
https://vocaroo.com/i/s1aY7P6PYVKp
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2017.08.24 08:10 albedrio “Si tu compañero habitual es un intelectual orgánico, con el que debatir durante horas sobre el falansterio , tal vez necesites un poco de pasión”, explica una de las mujeres en una confesión para el libro. Y continúa: “Bien te vendrá entonces un escarceo periódico con un espécimen de gimnasio”.

¡Vivan los cuernos!: el libro que defiende a las mujeres infieles ‘Elogio de la infidelidad de las mujeres’ analiza las relaciones de pareja y el vínculo con la infidelidad. Muestra los testimonios de mujeres reales y recorre la historia para enseñar los mitos femeninos que fueron infieles. 24 agosto, 2017 03:25 ESCRITORES AMOR RELACIONES DE PAREJA SEXO INFIDELIDAD Edurne Pujol Consuelo Sánchez Naranjo llega para acabar con los convencionalismos sobre la infidelidad. La escritora destruye el mito alrededor de la traición amorosa y la idea extendida de que sólo los hombres faltan a esa lealtad no escrita. Como una grúa de demolición que arrasa con los cimientos de un edificio viejo Elogio de la infidelidad de las mujeres (Pasos perdidos) quiere acabar con eesta idea equivocada.
Construye un relato alrededor de la infidelidad y a través de testimonios reales. Sobre las páginas se reproducen conversaciones de la autora con un grupo de mujeres -de 26 a 70 años- acerca de amantes, sexo, sensualidad, poder y amor. En el libro presenta también una muestra de las mujeres -iconos de la historia y del poder femenino- que se hicieron libres para ejercer el poder e independientes para las relaciones. ¿Por qué el cine y la literatura sigue mostrando al hombre como centro de la infidelidad? ¿Por qué la mujer no se presenta como la protagonista de una vida infiel? La realidad no es lo que se dibuja en los guiones y en las novelas, la autora defiende la imagen de una mujer libre, que elige con quién -o quiénes- compartir su tiempo, que tiene el poder sobre su cuerpo y el control de sus actos.
Para "siempre"
Consuelo Sánchez parte de la desigualdad de género para trasladar el problema a la propia infidelidad. Busca huir de aquello que se aceptó en el hombre y se estigmatizó en la mujer, de la idea normalizada de que ellos son infieles y ellas tan sólo se resignan a la estabilidad de una pareja y no disfrutan de las aventuras . Y si lo hacen, se convierten en aquello que dicta la mala fama.
Bien te vendrá entonces un escarceo periódico con un espécimen de gimnasio “Si tu compañero habitual es un intelectual orgánico, con el que debatir durante horas sobre el falansterio trasplantado al Madrid del siglo XXI, tal vez necesites un poco de pasión”, explica una de las mujeres en una confesión para el libro. Y continúa: “Bien te vendrá entonces un escarceo periódico con un espécimen de gimnasio”.
“Los pactos nacen para ser rotos; no son eternos”, con este principio bajo el brazo la autora habla de la infidelidad en todos los ámbitos de la vida. Pretende explicar que en un momento en el que las relaciones son volubles, la infidelidad no es un síndrome masculino que tan sólo expresa deslealtad. Para ella, es un pacto más -que no se resguarda unicamente en las relaciones de pareja- y que puede ser una muestra de libertad, autonomía y amor por una misma. La autora cita a Daniel Tubau y su idea de que la fidelidad era “una falsa virtud”. Se apoya en ella para destrozar el planteamiento común de que la unión completa se da dentro de la pareja y propone una construcción que no tenga que basarse en el repetido ‘para siempre’ y en aquel ‘hasta que la muerte nos separe’.
Infieles en el poder
La historia ha estado llena de grandes infieles -hombres y mujeres- que trabajaron mano a mano con el poder y tuvieron la autoridad suficiente para manejar sus imperios. El libro es un relato que pretende poner en valor “la destacada diferencia de todas las mujeres en el ejercicio del poder, dentro y fuera de las alcobas que compartieron -con hombres, por cierto, infieles casi siempre-.
La historia ha estado llena de grandes infieles -hombres y mujeres- que trabajaron mano a mano con el poder Desde Cleopatra hasta María Antonieta, parando en Mesalina -que ejerció la prostitución porque lo prefería antes que el lecho imperial- y en Madame Pompadour -destinada, según una adivina, a ser la amante del rey-.
Con ellas al frente, Consuelo describe la historia -poco generosa con las mujeres- que no se dejaron llevar por el costumbrismo de cada época y manejaron -hasta donde se podía- su destino sexual, las relaciones íntimas y el control de sus países.
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